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7 mayo 2011 6 07 /05 /mayo /2011 11:01

Charles Bradley  Charles Bradley (Gainesville. Florida. Estados Unidos 1948)


Charles Bradley es un cantante funk, soul y rhythm and blues estadounidense. Conocido como “The Screaming Eagle of Soul”. Charles Bradley no es ajeno a los tiempos difíciles. Nacido en Gainesville (Florida) en 1948, y se crió en Brooklyn (Nueva York), pasando la mayor parte de su niñez viviendo en las calles. Uno de los momentos más importantes de su infancia tuvo lugar en 1962, cuando su hermana lo llevó a ver a James Brown al Teatro Apolo en Harlem (Manhattan. Nueva York). La energía de James Brown le causó una gran impresión a Charles. Cuando volvió a su casa de inmediato comenzó a imitar a su nuevo ídolo.


 

Charles Bradley & The Menahan Street Band

Charles Bradley & The Menahan Street Band en el Festival de Jazz de Viena (Austria) el 12 de julio de 2011

 


Charles Bradley salió del populoso barrio de Brooklyn gracias al programa federal para ayudar a familias desfavorecidas llamado Job Corps (Cuerpos de Trabajo). Su primer trabajo lo llevo a Bar Harbor (Maine), donde aprendió a cocinar. En Bar Harbor formó su primera banda. Su primera experiencia en directo fue ante las empleadas femeninas del programa Job Corps de la fábrica de agua mineral embotellada Poland Springs en Poland (Maine). Las féminas se volvieron locas con su voz desagrradora, y Charles decubrió que estaba destinado a ser un artista. Por desgracia, su futuro quedó en suspenso cuando sus compañeros de banda fueron llamados a filas para luchar en la guerra de Vietnam, y se vio obligado a buscar trabajo como cocinero en Wassaic (Nueva York), en un hospital para enfermos mentales.

 

 

 

 

 

 

 

“The World (Is Going Up In Flames)” Live. Music Hall. Williamsburg. Video cortesía de Homer Steinweiss

 

 

Después de nueve años cocinando para 3500 personas al día, Charles decide dejar Wassaic y dirijirse al oeste en busca de su sueño. Tras comprar un viejo Ford con lo que tenía ahorrado, y que no llegó a pagar del todo a plazos, lo tuvo que devolver al distribuidor e irse al oeste en autostop desde New York a California a través de Canadá. Su viaje le llevó a Alaska, donde una vez más encontró trabajo como cocinero. Aunque el trabajo estaba bien pagado no era muy querido por sus compañeros de oficio, y pronto se dirigió a California, esta vez en avión.


Charles pasó más de 20 años en California trabajando como chef. En cuanto a la música no tenía banda regular pero de vez en cuando hacía algún concierto en clubs nocturnos. Las cosas parecían irle bien a Charles pero cuando estaba a punto de pagar su primera entrada para su primera casa, fue despedido del trabajo después de 17 años. Tras ser despedido se replanteó su vida en el oeste, decidiendo volver a la casa familiar de Bushwick (Brooklyn. Nueva York). Con sus ahorros alquiló un camión y cargo el equipo musical que había obtenido en sus últimos años en California, y regresó a New York. Ya estaba harto de trabajar en la cocina, y tomó un empleo como personal de mantenimiento, lo que le permitía más flexibilidad para su carrera musical.

 

 

 

 

 

 

 

“Why Is It So Hard” Live on KEXP. Video cortesía de kexpradio

 

 

Charles finalmente encontró público cuando comenzó a hacer apariciones en los clubs de Brooklyn imitando a James Brown bajo el alter ego de “Black Velvet” (“Terciopelo Negro”). A los 51 años volvió a casa, pero iba a ser probado una vez más. Charles se despertó con el sonido de las sirenas de la policía una mañana en casa de su madre. Su hermano había sido asesinado por su sobrino.


Charles Bradley iba dando tumbos cuando Gabriel Roth de Daptone Records (sello discográfico independiente de funk y Soul con sede en Brooklyn) le vio actuar imitando a James Brown en el club Tarheel Lounge de Bedstuy (Brooklyn). Roth reconoció al instante su talento bruto y directamente le colocó en Daptone “House of Soul” Studios para una sesión con la banda retro-funk Sugarman 3. "Take It As It Comes" (“Lo Tomo Como Viene”) fue el primer sencillo de Charles Bradley en Datone Records y su fuerza vocal. Rot invitó a Charles a Staten Island (Nueva York) para ver a Dirt Rifle & the Bullets, una joven banda de funk con influencias de James Brown y Meters. Thomas Brenneck, compositor y guitarrista de the Bullets, hizo buenas migas con Charles y comenzaron a trabajar juntos. Lanzaron dos sencillos en Daptone Records bajo el nombre de Charles Bradley & the Bullets. The Bullets se disolvieron para crear una banda con influencia afrobeat llamada Budos Band.

 

 

 

 

 

 

 

“This love ain't big enough” Live in Paris 2011. Video cortesía de Full Power

 

 

Sin embargo, Brenneck sabía el potencial de Charles, y se mudó al barrio de este Bushwick. Con el tiempo se convirtieron en amigos íntimos. Brenneck había reunido un pequeño estudio en su dormitorio y comenzó a trabajar en temas instrumentales con un nuevo grupo que se llamaría Menahan Street Band. Su nuevo sonido fue el complemento perfecto para la potente y desgarradora voz de Charles. Thomas Brenneck acababa de lanzar en Dunham Records, una división de Daptone Records, junto con Charles “The World (Is Going Up In Flames)” y “Heartaches and Pain” como segundo sencillo de este, que fue un gran éxito. Tras muchos fines de semana por la noche escribiendo y grabando, Charles y Brenneck completaron su primer álbum de larga duración No Time For Dreaming (2011. Daptone Records), publicado en 2011 por la discográfica Daptone Records. Este álbum ha sido una labor conjunta de Charles Bradley y Thomas Brenneck. Después de dos años trabajando juntos, No Time For Dreaming se grabó en Dunham Records. Mientras tanto, Charles Bradley ha estado de gira internacional junto a The Menahan Street Band. Estuvieron en España, en l'Hospitalet de Llobregat (Barcelona) el 27 de Febrero de 2011.


 

Charles Bradley

 

 

Este primer álbum No Time For Dreaming ha convertido a Charles Bradley en la nueva referencia del soul. Podríamos decir que es la reencarnación de James Brown, a quién ha imitado durante 40 años. Para vuestra información, el 15 y el 16 de junio de 2012 estará con nosotros en España en el Azkena Rock Festival de Vitoria-Gasteiz.

 

 

 

No Time For Dreaming (2011. Daptone Records)


 


Discografía: 

 

  • No Time For Dreaming (2011. Daptone Records)

 

 

Fuentes:

 

 

 

 

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7 mayo 2011 6 07 /05 /mayo /2011 10:53

Jim Carroll  Jim Carroll (Lower East Side 1949-Manhattan. NYC. EE.UU. 2009)


James Dennis “Jim” Carroll fue un escritor, poeta y músico punk neoyorquino. Carroll era conocido por su libro autobiográfico The basketball diaries (Diarios de baloncesto), publicado en 1978, que relata la autodestrucción de un jugador de baloncesto adolescente del Trinity School de Nueva York adicto a la heroína. Leonardo di Caprio encarnó a este personaje en la adaptación cinematográfica del libro, Diario de un rebelde, dirigida por Scott Kalvert en 1995.


Carroll nació en el seno de una familia de clase trabajadora de origen irlandés en el Lower East Side (Nueva York) donde creció. Cuando tenía 15 años la familia se trasladó al barrio residencial de Inwood (Manhattan. Nueva York). Asistió a una escuela católica de primaria de 1955 a 1963. En el Otoño de 1963, entró en una escuela pública de segunda enseñanza, pero al poco tiempo recibió una beca del elitista colegio Trinity School de Manhattan, donde estudió de 1964 a 1968.


 

Jim Carroll

 


Además de estar interesado en la literatura, Carroll fue una estrella del baloncesto escolar. Ingresó en la Liga Biddy a la edad de 13 años y participó en el National High School All Star Game en 1966. Durante este tiempo Jim Carroll vivía una doble vida como un heroinómano que se prostituía para pagar su adición y como un escritor de poesía en los talleres del Proyecto de Poesía San Marcos en el East Village (Manhattan). Jim Carroll asistió por algún tiempo al Warner College (Grymes Hill. Staten Island) y a la Universidad de Columbia (Manhattan).

 

Si bien en la escuela secundaria, Jim Carroll publicó su primera colección de poemas Organic Trains (Trenes Orgánicos), atrajo la atención del mundillo literario neoyorquino, y su obra empezó a aparecer en la revista de poesía The World en 1967. Pronto su trabajó empezó a publicarse en revistas literarias de élite como Paris Review en 1968 y en Poetry en 1969. En 1970, se publicó su segunda colección de poemas, 4 Ups and 1 Down, y comenzó a trabajar para Andy Warhol. Al principio comenzó a escribir guiones de cine, y posteriormente como co-director del Warhol´s Theatre.

 

 

 


 

 

 


Su primera publicación por un editor literario (Grossman Publishers) fue la colección de poemas Living At The Movies, en 1973. En 1978, Carroll publicó su obras más conocida The Basketball Diaries (Diarios de baloncesto), libro autobiográfico sobre su vida como adolescente metido en la cultura de las drogas en la ciudad de Nueva York. The Basketball Diaries narra su vida de 12 a 16 años, detallando sus experiencias sexuales, y su adición a la heroína que comenzó a la edad de 13 años. Después de trabajar en el mundo de la música, Carroll volvió a escribir a tiempo completo a medidados de la década de 1990.

 

Su carrera musical comenzaría en 1978, cuando se trasladó a California para desengacharse de la heroína. Carrol formó The Jim Carroll Band, una banda de new wave/punk-rock, con el apoyo de la cantante y poeta punk Patti Smith, con la que había compartido apartamento en Nueva York junto al fotógrafo Robert Mapplethorpe. Antes de llamarse The Jim Carroll Band la banda se llamó Amsterdam, con base en el Área de la Bahía de San Francisco. La banda estaba formada por Steve Linsley (bajo), Wayne Woods (batería), Brian Linsley y Terrell Winn (guitarras).

 

 

 


 

 

 


The Jim Carroll Band lanzaron un sencillo con mucho éxito “People Who Died” dentro de su álbum debut, Catholic Boy (1980. Atco Records), editado en 1980 y contando con la colaboración de Allen Lanier y Bobby Keys. El álbum estuvo producido por Earl McGraht y coproducido por Bob Clearmountain, además de ser ingeniero de sonido. La fotografía de la portada es de Annie Leibovitz. El título del sencillo estaba inspirado en un poema de Ted Berrigan. La canción salía en la famosa película de los 80, E.T. El Extraterrestre.

 

Más tarde aparecerían dos álbumes de estudio Dry Dreams (1982. Atlantic Records), grabado en los Estudios Atlantic de Nueva York, que fue lanzado al mercado por la multinacional Atlantic Records en 1982, y que fue producido de nuevo por Earl McGraht y el diseño de la portada por Annie Leibovitz y I Write Your Name (1983. Atlantic Records), grabado de nuevo en los Estudios Atlantic de Nueva York, contando con los ingenieros de sonido Gene Paul y Dan Nash, fue masterizado en los mismos estudios por George Piros. El diseño de la portada es de Lynn Dreese Breslin y la fotografía de Curtis Knapp. Este álbum está dedicado a la memoria de Ted Berrigan (1934-83) y Brian Marnell (1954-83). Ambos vinilos contaron con la colaboración de Lenny Kaye y Paul Sanchez.


 

Jim y Patti

Jim Carroll con Patti Smith

 

 

En 1993, publican unos grandes éxitos A World Without Gravity: Best of The Jim Carroll Band (1993. Rhino Records). Carroll también colaboró con músicos de la talla de Lou Reed, Blue Öyster Cult, Boz Scaggs, Ray Manzarek de The Doors, Pearl Jam, ELO y Rancid.

 

En 1998, y ya sin la banda lanza al mercado su primer álbum en solitario Pools of Mercury (1998. Mercury Records). Producido por Anton Sanko, fue grabado, mezclado y masterizado en Easter Island Recording de Nueva York por Denny McNerney. En 2000, Jim Carroll publica Runaway (2000. Kill Rock Stars Records. EP), un EP de cinco pistas, tres de ellas en directo, un demo y una de estudio que da nombre al álbum. Producido por Robert Roth.

 

 

 


 

 

 


Jim Carroll falleció de un ataque al corazón en su casa de Manhattan (New York City) el 11 de Septiembre de 2009, a la edad de 60 años. En declaraciones a The New York Times, la cantante Patti Smith dijo que su trabajo era “sofisticado y elegante”. “Yo le conocí en 1970 y para entonces ya era reconocido por todo el mundo como el mejor poeta de su generación”, añadiendo Patti Smith que también era un icono vivo de la cultura punk y que apoyó a Carroll en su carrera musical.


Carroll fue una figura capital en la escena punk rock de Manhattan y su poesía fue elogiada por escritores icono de la generación beat como Jack Kerouac o Allen Ginsberg. También trabajó con bandas y músicos imprescindibles de la historia del rock desde Lou Reed hasta The Doors o Pearl Jam y participó en algunas de las películas que Andy Warhol produjo en la Factory, el taller creativo del pop art estadounidense.

 

 

 

Catholic Boy (1980. Atco Records) The Jim Carroll Band Dry Dreams(1982. Atco Records) The Jim Carroll Band I Write Your Name (1983. Atlantic Records) The Jim Carroll Band

A World Without Gravity. Best of The Jim Carroll Band (1993. Rhino Records) Pools of Mercury (1998. Mercury Records) Jim Carroll RunawayEP (2000. Kill Rock Stars Records) Jim Carroll

 

 


Discografía:

 

  • Catholic Boy (1980. Atco Records) The Jim Carroll Band
  • Dry Dreams (1982. Records) The Jim Carroll Band            
  • I Write Your Name (1983. Atlantic Records) The Jim Carroll Band            
  • A World Without Gravity: Best of The Jim Carroll Band (1993.
  • Pools of Mercury (1998.
  • Runaway (2000.

 

 

Fuentes:

 

 

 

 

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7 mayo 2011 6 07 /05 /mayo /2011 10:40

Mélissa Laveaux  Mélissa Laveaux (Montreal. Quebec. Canadá 2006)


Mélissa Laveaux es una cantante, compositora y guitarrista canadiense de padres haitianos emigrados a Canadá. En la actualidad la acompañan en los escenarios Gautier Vizioz (guitarra eléctrica), Anne Paceo (batería) y Jeremie Coke (bajo). Además por su banda han pasado Ben Molinaro (bajo eléctrico), Alex Tran (batería) y Sebastien Lété (batería y percusión).


Mélissa Laveaux, nacida Mélissa Michelle Marjolec Laveaux, el 9 de Enero de 1985 en Montreal (Quebec). Mélissa creció en Ottawa, en un universo mayoritariamente anglófono, aunque no se olvidó de sus orígenes criollos y francófonos. Mélissa se licencia en Ética y Sociedad en la Universidad de Ottawa (Ontario) en diciembre de 2007.


 

Mélissa Laveaux

 


El destino de la joven Mélissa se forjó cuando perdió el cheque para pagarse las clases de piano. Aprendió la música de forma autodidacta. Afortunadamente, su madre escuchaba canciones de autor y jazz haitiano, y su padre, músico en su tiempo libre, tuvo la buena idea de ofrecerle una guitarra cuando cumplió 13 años. Descubrió así el folk independiente canadiense (Joni Mitchell, Feist) el trip hop británico (Martina Topley-Bird), la música brasileña alternativa (Adriana Calcanhotto, Os Mutantes), las estrellas del hip hop y del nu-soul (Erikah Badu, Common, The Roots, The Fugees…), las grandes voces de la tradición afro-americana (Billie Holiday, Nina Simone, Aretha Franklin) y las estrellas lejanas de la World Music (Rokia Traoré, Lhasa…). Barajando todas estas influencias en una mezcla de ingenuidad y de instinto, pronto se inventa un estilo de acompañamiento personal y compone sus primeras canciones. Los arreglos minimalistas realzan todavía más la energía y el impacto poético de sus letras.

 

 

 

 

 

 

 

“Needle in the hay”. Video cortesía de Etatcritique

 

 

En paralelo, participa en las “open mic”, veladas organizadas desde el pub del campus. Un joven percusionista, Rob Reid, percibe su talento y la anima a continuar. Durante la semana sigue las clases, y los fines de semana recorre Canadá con Rob para tocar en los clubs. Su música la define como una mezcla de raíces, folk y blues. A sus 21 años autoproduce un álbum que difunde en Myspace. A principios del 2007 el label No Format! Se encuentra con ella en Montréal y la ficha rápidamente. El mismo año obtiene la beca Lagardère Jóvenes Talentos. Inmediatamente después graba su verdadero primer álbum, Camphor & Copper, construido sobre las bases del álbum autoproducido dos años antes.

 

 

 

 

 

 

 

“Ulysses”. Video cortesía de NoFormatrecords

 

 

En 2006, Melissa se dió a conocer con su álbum debut Camphor & Copper (2006. Malleable Records), que fue coproducido junto con el percusionista Rob Reid y Lisa Patterson de Imaginit Music Studios. Salvo un par de versiones fantásticas (“Needle in the hay” de Elliott Smith y “I wanna be evil” de Eartha Kitt), que son más o menos los pilares imaginarios de su universo musical, el repertorio de este disco está totalmente compuesto por obras originales, impresionantes por esa mezcla entre madurez y frescura que sólo está al alcance de los más grandes. En este álbum, Mélissa libera de repente toda la energía creadora acumulada a lo largo de estos años de aprendizaje, y encuentra la tonalidad precisa desde el principio. Los arreglos minimalistas realzan todavía más la energía y el impacto poético de sus letras. Su voz se despliega, majestuosa y frágil, profunda, sensual y deliciosamente juvenil, como trabajada por el trilinguïsmo que marca su vida: la fluidez rítmica de la lengua inglesa, la síncope indolente del criollo, y la sofisticación del francés.

 

 

 

 

 

 

 

“Dodo titit”. Video cortesía de pupucealid

 

 

La mayoría de sus actuaciones en vivo han sido en Francia, Japón y España. Ha actuado en los festivales de jazz con más renombre internacional como el Festival Internacional de Jazz de Montreal (Quebec. Canadá) en 2007, 2009 y 2010, Cully Jazz Festival (Vaud. Suiza), Festival du Bout du Monde en Crozon (Bretaña. Francia) en 2008, Donostia Jazzaldia de San Sebastián (Euskadi. España) en 2009, Les Francofolies de La Rochelle (Poitou-Charentes. Francia) en 2009, Sakifo Musik Festival en la Isla de la Reunión (Reunión. Francia) y le Printemps de Bourges (Centro. Francia).


Ella habla de las dificultades para integrarse en una cultura distinta y de cómo aceptarse a una misma cuando una no encaja en el ideal de belleza que proyectan los medios. Mélissa se considera feminista, importándole mucho el componente racista y la disciminación por el aspecto físico.

 

 

 

Camphor & Copper (2006. Malleable Records)

 

 


Discografía:

 

  • Camphor & Copper (2006. Malleable Records) 

 

Enlaces:

 

 

 

 

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7 mayo 2011 6 07 /05 /mayo /2011 10:19

Gene Loves Jezebel  Gene Loves Jezebel (Porthcawl. Gales. Reino Unido 1982)


Banda de rock gotico de principios de los 80 fundada en Porthcawl (Gales. Reino Unido) por los hermanos gemelos Michael y Jay Aston. La banda de los hermanos Aston, Gene Loves Jezebel, se convirtió en un grupo de culto dentro de la escena del rock gótico en Reino Unido y Estados Unidos, donde consiguió su mayor éxito. Precursores en la escena alternativa de los 80, el flash creativo y musicalidad de la banda durante los 80 y 90, todo ello favoreció a formar la imagen de marca de los Gene Loves Jezebel a través de los años.


Los hermanos comenzaron a tocar música en 1980 en una banda llamada Slav Arian junto al guitarrista Ian Hudson y una caja de ritmos. Cuando se trasladan a Londres, en 1981, reemplazaron el nombre del grupo por el de Gene Loves Jezebel. El trío rápidamente avanzó en la escena londinense firmando así con el sello discográfico Situation Two Records. En mayo de 1982 el sello lanzó el sencillo demo “Shavin’ My Neck”. La banda para entonces agregó a Jean-Marc Lederman (teclados), Julianne Regan (bajo) y Dick Hawkins (batería). La bajista Julianne Regan al poco tiempo abandonó la banda para formar All About Eve, siendo remplazada por Ian Hudson y Michael Aston alternándose, hasta que el bajista Peter Rizzo se unió a la banda en 1984. Con esta formación darían más de 100 conciertos durante todo el año 1982. Dick Hawkins también saldría de la banda por un tiempo, siendo reemplazado por John Murphy y más tarde por Steve Goulding, pero volvería de nuevo en 1983.


 

Gene Loves Jezebel

 

 

En 1983, Gene Loves Jezebel publicarían dos singles “Screaming” y “Bruises”,  antes de su álbum debut Promise (1983. Situation Two Records), el cual alcanzaría el nº 1 en los indie charts del Reino Unido. El álbum se grabó entre 1982 y 1983. Contaron con la colaboración de Julianne Regan (bajo y piano) y con Steve Goulding, Richard Hawkins, John “Johnny Genius” Murphy (baterías y percusión). El álbum fue producido por el ingeniero de sonido John Brand. En 1984, la banda grabó un John Peel radio session para la BBC. En la versión resmasterizada del 2005 se incluye un segundo Cd con los temas del notable single “Shaving My Neck” que previamente no fue íncluido con ningún álbum oficial y solo apareció como single. También se agregan los singles “Screaming”, “Bruises”, “Influenza (Relapse)” y “Shame (Whole Heart Howl)”. Después de esta grabación se embarcarían hasta mediados de 1984 en una gira americana con el ex Velvet Underground John Cale con bastante éxito lo que provocaría la publicación de dos sencillos: “Influenza (Relapse)” y “Shame (Whole Heart Howl)”.

 

 

 


 

 

 


Entonces aguantaron un año entero para sacar al mercado su segundo álbum de estudio Immigrant (1985. Situation Two Records), el cual se presentó a mediados de 1985, en el mismo sello Situation Two. Para este disco la batería la tocó Marcus Gilvear en lugar de Dick Hawkins. Immigrant también llegó a ser nº 1 en los charts británicos, pero durante el tour por Estados Unidos, el miembro fundador Ian Hudson abandona el grupo siendo reemplazado por el guitarrista James Stevenson, guitarrista de Generation X, primera banda de Billy Idol. En Immigrant los hermanos Astons tuvieron la ventaja de haber podido estabilizar la banda con el ingreso de Peter Rizzo en el bajo, y además contaron con uno de los mejores productores: John Leckie.

 

En el año 1986 la banda logró el éxito de uno de sus temas mas populares “Sweetest Thing”, logrando los primeros lugares del Top 75 en Reino Unido. Surge así su tercer álbum de estudio Discover (1986. Beggars Banquet Records), grabado en el sello discográfico independiente Beggars Banquet Records (el nombre del sello se debe al famoso álbum Beggars Banquet de los Rolling Stones), que incluía una edición limitada de su álbum en vivo Glad to Be Alive, y el tema sin  duda alguna más conocido de la banda, “Desire”. Con él, consiguen los primeros puestos del chart británico haciendo lo mismo en Estados Unidos. Con su tercer álbum Discover aligeran su sonido y logran ser aceptados comercialmente, perdiendo a gran parte de su audiencia Gótica a lo largo del camino. Chris Bell (miembro de Spear of Destiny) se unió a la banda a finales de ese año en la batería, convirtiéndose en el quinto baterista que había tenido la banda desde sus inicios.

 

 

Gene Loves Jezabel en directo

 

 

El cuarto álbum de estudio The House of Dolls (1987. Beggars Banquet Records) fue lanzado a finales de 1987 con su single “The Motion of Love”, el cual no logró el éxito esperado en los Estados Unidos. Fabulosos sonidos, ritmos enérgicos, guitarras y melodías en alza, pop brillante y temerario, son la clave de este álbum. De un solo golpe, el productor Peter Walsh cambió a Gene Loves Jezebel de una banda cuyo secreto residía en la habilidad de mezclar el rock y el sonido gótico en algo verdaderamente único, a una banda de pop-rock. Michael Aston dejó la banda en medio de la grabación de este álbum, grabando solo dos pistas: “Message” y “Up There”.

 

Como ya hemos dicho, Michael Aston dejó Gene Loves Jezebel, debido a su descontento con la dirección de la banda y a las tensas relaciones con su hermano gemelo, Jay. Michael Aston se trasladó a California. A partir de 1992 Michael Aston estuvo trabajando con una banda llamada The Immigrants, que eventualmente se convirtió en Edith Grove. Edith Grove lanzó su álbun debut homónimo en 1993 con críticas muy favorables.

 

 

 


 

 

 


Gene Loves Jezebel alcanzó los primeros lugares de los charts americanos con su tema “Jealous”, sencillo de su quinto álbum de estudio Kiss of Life (1989. Geffen Records), grabado en el sello discográfico estadounidense Geffen Records, que llegó a ser nº 1 en el modern rock chart. Producido por Tim Palmer (productor también de The Mission entre otros), el álbum se lanzó al mercado en septiembre de 1989.

 

Jay Aston y compañía lanzaron su sexto álbum de estudio Heavenly Bodies (1993. Savage Records) que funcionó muy bien en Europa y Estados Unidos, encontrando en dicha producción temas como “Josephina” y “Sweet Sweet Rain”. Las canciones de Heavenly Bodies están dirigidas ​​por los fluidos riffs de guitarra de James Stevenson. La sección rítmica realiza un delicado equilibrio entre negros presagios y el optimismo romántico. El primer single, “Josephina” es una melodía memorable, si bien con cierta influencia de los primeros sonidos de bandas de los 80 como U2, Comsat Angels y Simple Minds. Y luego de unas presentaciones en vivo la banda anunció la finalización de la misma.


 

Michel Aston

Michael Aston

 


En 1994, Michael Aston volvió de nuevo a Gene Loves Jezebel, donde volvió de nuevo a trabajar con su hermano Jay y ese mismo año grabaron dos canciones con su compañeros Stevenson, Bell y Rizzo para una recopilación de lo mejor de Gene Loves Jezebel, el cual salió al mercado en 1995. Jay a la vez realizaba presentaciones acústicas bajo su nombre, mientras que Michael tocaba con la banda llamada Scenic, publicando un solo álbum titulado Why Me, Why This, Why Now (1995). La reconciliación no se produciría hasta 1995 donde ambos hermanos compondrían unas canciones nuevas para un recopilatorio que la banda sacaría ese año. Volverían a dar una nueva gira por Estados Unidos esta vez con la banda de Michael en solitario, The Inmigrants, como soporte tocando los temas de Gene Loves Jezebel. De la gira se gestaría un nuevo álbum, VII (1997) que no saldría hasta finalizar la gira; pero la reconciliación entre los hermanos fue corta. En los últimos estertores de la gira, la banda de Michael que había corrido con la mayoría de los gastos de esta, se embolsó, en una estratagema económica de Michael, todos los incentivos ganados a raíz de una disputa entre los hermanos sobre los beneficios, con un nuevo abandono de Michael. Este hecho traería muchas consecuencias. Ya en 1999, Michael, que desde su punto de vista la expulsión de la banda había sido injusta, siguió utilizando el nombre de Gene Loves Jezebel. Jay, por su parte, volvió a Reino Unido y sacó el álbum VII sin las canciones en las que había colaborado su hermano, bajo el nombre también de Gene Loves Jezebel. Jay demanda a su hermano por el uso del nombre de la banda, ganando la disputa, aunque la condena se redujo notablemente cuando Michael aseguró que no usaría el nombre de la banda. No cumplió su palabra si no que registró el nombre de la banda en Estados Unidos donde residía, mientras que Jay era el propietario de la marca en Reino Unido. Todo esto confundió un montón a los fans, puesto que ambas bandas sacaban discos por su cuenta, ambos bajo el mismo nombre: Gene Loves Jezebel, e incluso dando giras tanto por Estados Unidos y Reino Unido indiferentemente. Los Gene Loves Jezebel de Michael publicarían tres álbumes y un directo, mientras que su contrapartida británica con Jay Aston a la cabeza publicaría un álbum y dos recopilatorios.

 

 

 


 

 

 


El 23 de marzo de 1999, Gene Loves Jezebel de Jay Aston o la contrapartida británica lanzan su primer álbum de estudio VII (1997. Rds Records). De alguna manera Gene Loves Jezebel vuelve a los sonidos anteriores a su álbum The House of Dolls. El resultado es el esperado: mucho sonido enérgico, alternando con distintas estilos, como post-punk y hasta coqueteando con el new wave, que acompaña a la hermosa poesía escrita de la mano de Michael.


El 3 de agosto de 1999, Gene Loves Jezebel de Michel Aston o la contrapartida americana lanzan su primer álbum de estudio Love Lies Bleeding (1999. Triple X Records). Michael trae una nueva compañía de músicos al estudio de Triple X Records. Ellos son Slobo Svrdlan (bajo), Michael Ciravolo (guitarras) y Michael Brahm (percución). Otros mas echan una mano con algunas canciones. El comienzo fresco y distanciándose de Jay nos entrega a un Michael más introspectivo y meditabundo mostrandonos facetas del Gene Loves jezebel que recordamos del pasado. Love Lies Bleeding es un gran logro. La lírica de Michael tiene un mandamiento rápido, la calidad poética, letras basadas en poemas de vida, religión, creencia. El álbum tiene un sentido muy bíblico. La lírica de Love lies bleeding cantada en un estilo que nos lleva en algunos pasajes a los tonos vocales más altos de Michael.


 

Gene Loves Jezebel

 

 

Entre tanto, el 14 de septiembre de 1999 sale a la luz un directo Live in the Voodoo City (1999. Conspiracy Records) que había sido grabado el 6 de marzo de 1998, antes de la ruptura definitiva de la banda en dos.

 

El 27 de marzo de 2001, Gene Loves Jezebel de Michel Aston lanzan su segundo álbum de estudio Giving Up The Ghost (2001. Triple X Records). Este álbum fusiona elementos retro (cercanos a U2 y The Alarm) y psicodelia (tipo The Doors). Producido por Geza Gedeon, conocido profesionalmente como Geza X (productor de la escena punk de Los Ángeles en la década de los 70, como los Dead Kennedys). La última entrega de Gene Loves Jezebel de Michel, su tercer álbum de estudio después de la ruptura Exploding Girls (2003. Triple X Records /Bless Momma Records) ve la luz el 12 de agosto de 2003 en Estados Unidos y el 6 de octubre de 2003 en Reino Unido bajo el propio sello de Aston, BlessMomma Records, donde se puede seguir valorando la marcada influencia gótica de la banda, que fija el camino musical para el álbum en su totalidad. Al parecer hace referencia a Wafa Idris, primera mujer suicida palestina que se inmoló en Jerusalen el 27 de enero de 2002. El sonido del álbum es tan constante, que las diez pistas juntas crean una mezcla agradable y oscura. Un álbum de un contagioso groove, melodías hipnóticas y lirismo profundo. Fue masterizado por Michael Rozen y el propio Michel Aston. Para este álbum se contó con Michael Aston (voz), Michael Rozen (teclados), Michael Brahm (batería y percusión), Matt Mitchael y Marcus Gilvear (guitarras). En febrero de 2009 sacaron un álbum recopilatorio llamado Dead Sexy (2009. Nickel & Dime Records/101 Distribution) en el sello discográfico 101 Distribution.

 

 

 


 

 

 


Por su parte, Gene Loves Jezebel de Jay junto con James Stevenson (guitarra) y Pete Rizzo (bajo) sacaron un directo grabado en 1999, Live At Nottingham (2002. Perris Records), el 26 de marzo de 2002. El 4 de febrero de 2003 sale a la luz un recopilatorio de sus mejores temas en directo Accept No Substitutes (2003. Red Steel Records). El 25 de noviembre de 2003, GLJ de Jay Aston lanzan un álbum acústico que había sido grabado en 1999, The Thornfield Sessions (2003. Red Steel Records) y el 16 de mayo de 2006 lanzan el álbum recopilatorio The Anthology, Vols. 1-2 (2006. Red Steel Records).

 

 

 

Promise (1983. Situation Two Records) Immigrant (1985. Situation Two Records) Discover (1986. Beggars Banquet Records) The House of Dolls (1987. Beggars Banquet Records)

Kiss of Life (1989. Geffen Records) Heavenly Bodies (1993. Savage Records) VII (1997. Rds Records) Live in the Voodoo City (1999. Conspiracy Records)

Love Lies Bleeding (1999. Triple X Records) - Michel Aston Giving Up The Ghost (2001. Triple X Records) - Michel Aston Live At Nottingham (2002. Perris Records) Exploding Girls (2003. Triple X Records / Bless Momma Records) Michel Aston

Accept No Substitutes (2003. Red Steel Records) - Jay Aston The Thornfield Sessions (2003. Red Steel Records) The Anthology, Vols. 1-2 (2006. Red Steel Records) - Jay Aston Dead Sexy (2009. Nickel & Dime Records / 101 Distribution) - Michel Aston

 

 

 

Discografía:

 

  • Promise (1983. Situation Two Records)
  • Immigrant (1985. Situation Two Records)
  • Discover (1986. Beggars Banquet Records)
  • The House of Dolls (1987. Beggars Banquet Records)
  • Kiss of Life (1989. Geffen Records)
  • Heavenly Bodies (1993. Savage Records)
  • VII (1997. Rds Records)
  • Live in the Voodoo City (1999. Conspiracy Records)
  • Love Lies Bleeding (1999. Triple X Records) Michel Aston
  • Giving Up The Ghost (2001. Triple X Records) Michel Aston
  • Live At Nottingham (2002. Perris Records) 
  • Exploding Girls (2003. Triple X Records / Bless Momma Records) Michel Aston
  • Accept No Substitutes (2003. Red Steel Records) Jay Aston
  • The Thornfield Sessions (2003. Red Steel Records)
  • The Anthology, Vols. 1-2 (2006. Red Steel Records) Jay Aston
  • Dead Sexy (2009. Nickel & Dime Records/101 Distribution) Michel Aston

 

 

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7 mayo 2011 6 07 /05 /mayo /2011 10:01

Sade  Sade (Valencia. España 1982-84)

 

Sade era un grupo punk valenciano formado a principios de los años 80. Creadores del funky-punky y del ska siniestro. Una formación divertida y, en algunos casos polémica, sobre todo en el reducido ambiente punk de la ciudad. La formación, que no perduró más allá de dos años era la siguiente: Melchor Ruiz Ortega (voz), Jesús Barranco (guitarra y voz), Honorio Barranco (guitarra), José Antonio Porcar (bajo) y José María “Batty” (batería), incorporándose éste al cuarteto un poco más adelante. Posteriormente se incorporaron Vicente Sáez y Ramón Gilabert.

 

Siendo unos adolescentes, empezaron llamándose Información y Turismo durante un corto periodo de tiempo en 1982, llegando incluso a grabar una maqueta con este apelativo para un concurso de maquetas únicamente, y ya a finales de ese mismo año adoptaron Sade como nombre de guerra, aunque si que es verdad que antes se hicieron llamar Sade Rock o Barro, banda en la cual algunos de sus músicos pulularon durante un corto periodo de tiempo. Desconocidos por la mayoría del país, Sade fue uno de los grupos promotores del punk en la Comunidad Valenciana, su mayor éxito, ó el más conocido fue sin lugar a dudas “Lola”, que no paró de sonar insisténtemente en la emisoras de aquella época. Comenzaron con versiones y temas influidos por la Orquesta Mondragón y grupos de la New Wave inglesa.


 

Sade

 

 

Las influencias musicales de Sade por aquellos años se acercaban hacia el punk británico, teniendo como base a The Clash, aunque también seguían de cerca otras formaciones nacionales como Siniestro Total o Parálisis Permanente. Su facha dibujaba respeto en el círculo punk, pero no su música, que se adentraba mas principalmente en sonidos estivales con ramalazos notorios hacia el funky, asimismo también inventaban de vez en cuando temas al más puro estilo Sex Pistols. Para muchos medios de comunicación de entonces fueron los creadores del punky-funky, asemejados en algunos momentos con los madrileños Sindicato Malone por varias razones; por una parte su imagen simulaba ser punk, sin serlo, sus temas poseían letras humorísticas cargadas en muchos momentos con toques funkys, y además los dos grupos tenían en su repertorio una potente versión del tema eclesiástico “Que Alegría (Vamos A La Casa Del Señor)”, con la única diferencia de que Sindicato Malone la llegaron a plastificar. Por cierto, este tema estaba dedicado al Padre Claret, cura que oficiaba como profesor en el colegio del mismo nombre y, de donde la mayoría del quinteto procedía.

 

 

 


 

 

 


Bartual y Juan Carlos Rozalén, dos de las cabezas del sello discográfico Ediciones Milagrosas, que tras presenciar una desmedida actuación de los valencianos en el Instituto Benlliure, acordaron que Sade debía ser el grupo que inaugurara sus referencias, viendo reflejado por consiguiente a principios de 1983 un e.p. con tres temas llamado Y Nos Comerán (1983. Ediciones Milagrosas. EP) donde se situaba una de sus piezas más tatareadas por aquellos años en toda la Comunidad Valenciana, “Y Nos Comerán”. El vinilo se completaba con los temas “Quiero Ir A Vivir A El Corte Inglés”, que estos grandes almacenes promocionaron a destajo el disco, elevándose cuantiosamente las ventas del plástico y, que en su etapa de Información y Turismo adoptaba el nombre de “Funky On The Night”, y “Nichos Colectivos”, una corta pieza en donde si que se notaba esas influencias del punk del 77. “Quiero Ir A Vivir Al Corte Inglés” lleva la firma de Sade al completo, mientras que las dos restantes son obra del tándem Melchor Ruiz/Jesús Barranco. El vinilo se grabó en los Estudios Tabalet de Valencia entre los días 24 y 25 de enero de 1983, la producción corrió a cargo de Adolfo Barberá (Glamour) y Xavier Morant (La Morgue), que por aquellos años formaban el grupo Ceremonia. El tema “Y Nos Comerán”, aporta la colaboración de Ramón Gilabert al saxo. Su pegadizo tema “Y Nos Comerán”, que para la mayoría de gente era conocida como la canción de los negritos, sonó incansablemente en pubs y discotecas de la ciudad. Uno de esos lugares era la discoteca Distrito 10, que amén de pinchar su tema en todas sus sesiones, presenció la presentación del disco en su “escenario”, siendo además una de las actuaciones de Sade más emotiva.

 

 

 


 

 

 


Además colaboraron en el vinilo que acompañaba al primer fanzine de la discográfica D.R.O., Banana Split (1983), con la canción “Soldado de caballería”; en el disco también participaban los punk alicantinos Garrote Vil y Aviador Dro. Sade acababan de fichar con D.R.O. y en teoría esto tenía que haber sido un adelanto de un L.p. que estaba en preparación, pero acabó finiquitado en maxisingle. Comparten cartel con Interterror en algunas salas y aunque al principio, por unas desafortunadas declaraciones de Melchor a un periódico (Noticias al día), “Los únicos punkies de Valencia somos nosotros, los demás son unos niños” desataron las iras de sus componentes, aunque finalmente se aclararon las cosas y no hubo mayor problema.

 

En 1984 apareció Lola (1984. Dro. Max) la última referencia del quinteto, el citado maxisingle con tres temas que D.R.O. y Servando Carballar plastificaron a finales de año. Las piezas eran “Lola”, una impresionante versión de The Kinks adaptada en su letra por Ramón Gilabert, “Sal De Frutas”, y otro de los clásicos del grupo, “Alí Mustafá”. Estas dos últimas llevaban la firma de Sade. El vinilo se grabó en los Estudios Doublewtronics de Madrid, y lo produjo Vicente Gil, Ramón Gilabert y Vicente Saez. Gracias a este nuevo trabajo con D.R.O.  llegaron los momentos más álgidos del grupo, pisando escenarios no solo de su ciudad natal, sino llegando incluso a tocar en la mítica sala Rockola de Madrid, en un festival de grupos del catálogo de Servando Carballar, siendo Sade uno de las escasas bandas valencianas en pisar dicho escenario. Pero tras una actuación en Pachá Auditórium de Valencia en las navidades de 1984, Sade dijo adiós a la música dos años después de su creación.

 

 

 


 

 

 


José Antonio Porcar y los hermanos Barranco se unieron a Los Inhumanos durante un corto periodo de tiempo, más tarde José Antonio dejó definitivamente el mundo de la música, lo mismo que hizo José María “Batty”. A finales de la década Jesús y Honorio Barranco dieron forma a Rubber Souls, luego llamados Rubber, con el cual llegaron a ganar el Rock 90. Por último, Melchor Ruiz grabó algunos temas más para un álbum que nunca llegó a editarse, luego se largó a Madrid y se dedicó a otros menesteres nada que ver con el mundo de la música, como la publicidad o la gastronomía. Murió en un accidente de moto en la capital de España. Su versión de “Lola” fue incluida años después en el recopilatorio Pyjamarama Vol. 1 del sello de Carlos Goñi, Nena Records.Vicente Sáez es director de una agencia de publicidad, Ramón Gilabert enseña física, y los hermanos Barranco hicieron Rubens Souls, también Jesús Barranco es maestro de lengua y literatura.

 

 

Y Nos Comerán (1983. Ediciones Milagrosas. Ep) Lola (1984. Dro. Max)


 

Discografía:

 

  • Y Nos Comerán (1983. Ediciones Milagrosas. EP)
  • Lola (1984. Dro. Max)

 

 

 

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7 mayo 2011 6 07 /05 /mayo /2011 09:35

Jimmy Eat World  Jimmy Eat World (Mesa. Arizona. Estados Unidos 1993)


Jimmy Eat World es una banda americana de emo (género musical derivado del hardcore punk nacido a finales de los años 80), formada en febrero de 1994 en Mesa, Arizona. Ha estado compuesta, prácticamente desde sus inicios, por los guitarristas y vocalistas Jim Adkins y Tom Linton, el bajista Rick Burch, y el baterista Zach Lind, amigos desde la infancia que comenzaron a tocar juntos a los 15 años, intentando llegar a ser como su banda preferida, Metallica.


La banda estaba formada en sus inicios por Jim Adkins, Zach Lind (amigos desde la guardería) Tom Linton y Mitch Porter. El nombre de la banda no hace referencia a Jim Adkins, sino a uno de los hermanos de Tom Linton. Éste y sus hermanos menores, Jimmy y Ed, estaban siempre peleándose cuando eran pequeños. Jimmy, que era alto y fuerte, siempre solía ganar. Su hermano Ed dibujó a Jimmy comiéndose el mundo en referencia a un capítulo de la serie de dibujos animados Tiny Toon.


 

Jimmy Eat World

Jimmy Eat World. De izquierda a derecha: Zach Lind (batería y percusión), Jim Adkins (guitarra rítmica y voz), Rick Burch (bajo y coros), Tom Linton (guitarra solista y voz).

 


La banda se formó en 1993 poco después del boom musical de Seattle y de las apariciones de grupos fundamentales dentro del panorama Indie y alternativo como Fugazi o Sunny Day Real Estate. Su sonido original era un sonido muy agresivo, muy influenciados por el Punk Rock o el Emocore que acababa de surgir aunque este último dejo de ser una influencia real en los siguientes proyectos. Jimmy Eat World es sobre todo una banda que se ha labrado su nombre a base de giras y conciertos. Sus primeras giras las hicieron con grupos dentro del mismo panorama indie y alternativo como Mineral, Christie Front Drive, Sense Field o Jejune.


En sus inicios, Jimmy Eat World grabaron One, Two, Three, Four (1993. Wooden Blue Records. EP) para la sello independiente local Wooden Blue Records. Era un EP que constaba de cuatro temas: “Look At You”, “Indecent Exposure”, “Angst For Joel” y “One, Two, Three, Four”. En este extended player forma parte el bajista original de la banda, Mitch Porter, que, no mucho tiempo después sería reemplazado por el actual y definitivo Rick Burch. En este EP puede comprobarse las influencias punk rock de la banda en sus orígenes.

 

 

 


 

 

 


En 1993 también participaron en un recopilatorio de la discográfica con un tema, “Carbon Scoring” y en este mismo año esta misma discográfica les edita su primer álbum de estudio, autotitulado Jimmy Eat World (1994. Wooden Blue Records). Grabado en 1993 y producido por Jimmy Edwards, este álbum debut fue lanzado en 1994 también por la discográfica independiente Wooden Blue Records de Phoenix (Arizona). En este álbum la mayoría de las canciones están cantadas por Tom Linton. La única canción que canta el actual vocalista principal Jim Adkins es “Usery”. También es el único álbum de estudio donde participó el bajista original de la banda, Mitch Porter. La portada del álbum es una vieja fotografía de los jóvenes hermanos Linton, Ed y Jimmy, referencia del nombre de la banda. Este álbum está ya, actualmente, fuera de mercado. En 1995, Wooden Blue Records lanza un split de la banda con Christie Front Drive.


Tras más de una decena de singles de bastante éxito, la formación firma para la multinacional Capitol en 1995, que lanzó su segundo y tercer álbum. Su segundo álbum de estudio Static Prevails (1996. Capitol Records) fue lanzado el 23 de julio de 1996, por la filial de EMI, Capitol Records. El álbum fue grabado en Sound City, Los Ángeles, Big Fish y Encinitas (todas ellas ciudades de California). Wes Kidd, Mark Trombino y los propios Jimmy Eat World produjeron este álbum. Sólo se extrajo un sencillo del álbum, “Rockstar”, que también se lanzó en videoclip. Junto con el álbum Clarity fue remasterizado en 2007. Lo más destacable de este álbum son sus letras, frescas y juveniles, abiertas a todo tipo de seguidores, desde los adoradores del rock hasta los más entendidos en nuevas tendencias pop. Un disco que no se puede tachar de clásico, pero que si nos indica lo que estaba por venir.

 

 

 


 

 

 


El 14 de diciembre de 1998, la discográfica Fueled By Ramen Records, filial de Warner Music Group, lanzó su segundo EP homónimo Jimmy Eat World (1998. Fueled By Ramen. EP). El álbum fue producido por Mark Trombino y Jimmy Eat World. Era algo habitual en los comienzos de la banda editar un EP antes de sacar nuevo álbum. El Ep contiene cinco canciones: tres de ellas inéditas, “Your New Aesthetic” (demo), que también se incluiría en el álbum Clarity, “Softer” y “Roller Queen” y dos canciones de Clarity, “Lucky Denver Mint” y “For Me This Is Heaven”. Este EP es un anticipo de lo que fue Clarity en apenas dos meses.


El 23 de febrero de 1999, Jimmy Eat World lanzan al mercado su tercer álbum de estudio Clarity (1999. Capitol Records). El álbum fue grabado a finales de 1998 y comienzos de 1999 en Sound City y Clear Lake Audio (North Hollywood); mientras que las mezclas fueron realizadas en One on One (Los Ángeles) y Bernie Grundman Mastering (Hollywood). Producido de nuevo por Mark Trombino. Sin apenas atención en el momento de su lanzamiento, Clarity ha conseguido un estatus de álbum de culto y una gran acogida por parte de la crítica, catalogándolo, a menudo, como una de las mejores grabaciones de los años 1990. Ello se debe a que, al principio, el álbum fue considerado un fracaso comercial, provocando la salida de la banda de Capitol Records. Sin embargo, esto le permitió a Jimmy Eat World autofinanciarse sus sesiones de grabación para trabajar en su siguiente y exitoso álbum, Bleed American. El álbum fue remasterizado y relanzado en 2007 con pistas adicionales. Dos años después, en 2009, la banda lanzó Clarity Live, grabado durante la gira que conmemoraba el décimo aniversario del lanzamiento. Posiblemente es el álbum más maduro de la banda y el último que lanzaron con Capitol. Mezclaba baladas introspectivas con punk rock cargado de distorsión, elementos pop y dosis sutiles de electrónica, para crear un álbum realmente extraordinario. El único single del álbum que se escuchó en las radios (y después de muchos esfuerzos) entró a formar parte de la banda sonora de la película Never Been Kissed protagonizada por Drew Barrymore. El álbum se caracterizaba por ser personal e intenso. Usando los instrumentos de cuerda como puentes sonoros, los loops de batería, los carillones, el piano, vibráfonos y armonías vocales especialmente trabajadas crean complejas pero claras canciones que consiguen que Clarity alterne entre lo hipnótico y el puro rock en la misma canción, mezclando efectos emotivos con dramáticos. Mark Trombino merece todo un elogio por conseguir equilibrar de forma tan brillante unas letras excelentes con elementos tradicionales del rock, en una producción totalmente aventurera, experimental y de instrumentación extraordinaria.

 

 

Jimmy Eat World. Wiesbaden. Alemania

Jimmy Eat World en directo desde Wiesbaden (Alemania) el 14 de febrero de 2008

 


El 8 de agosto de 2000, lanzan el álbum recopilatorio Singles (2000. Big Wheel Recreation). Este álbum es una recopilación de canciones inéditas y raras caras B, y de nuevo producido por Trombino. Todas las canciones están escritas por Jimmy Eat World, excepto la pista cinco, “Spangle”, escrita por The Wedding Present. La banda inicialmente también quiso incluir una versión del clásico de la banda británica Duran Duran, “New Religion”, pero se les negó el permiso por el sello discográfico de estos.

 

Bleed American (2001. DreamWorks Records) es su cuarto álbum de estudio. Fue lanzado el 18 de julio de 2001 mediante DreamWorks Records, siendo el primero que lanzó la banda tras firmar meses antes con dicho sello discográfico. El título del álbum fue renombrado Jimmy Eat World tras los atentados del 11 de septiembre en Nueva York. El álbum fue grabado entre 2000  y 2001 en Cherokee (Los Ángeles) y Harddrive (North Hollywood) junto al productor Mark Trombino. El estilo musical fue más directo y accesible que su predecesor, Clarity, lanzado en 1999 y que logró un gran éxito entre la crítica. De Bleed American se extrajeron cuatro sencillos: “Bleed American”, “The Middle”, “Sweetness” y “A Praise Chorus”; y todos ellos lograron entrar en los veinte primeros puestos de las listas estadounidenses. El más exitoso fue “The Middle”, que fue número uno en las listas Modern Rock Tracks. Finalmente, Bleed American logró el disco de platino en los Estados Unidos tras vender más de un millón de copias. El 29 de abril de 2008 Geffen Records lanzó al mercado una edición de lujo que contenía el disco original y otro extra con varias caras B, versiones acústicas, canciones en directo, demos y canciones inéditas. El título original, Bleed American, fue restaurado.

 

 

 


 

 

 


El 10 de Diciembre de 2001, la banda lanza su tercer EP gracias a su exitoso álbum Bleed American, Last Christmas (2001. Better Looking Records. EP). El Ep incluye dos temas: “Last Christmas” y “Firestarter”. El primer tema es una versión de Wham! y el segundo de The Prodigy. Good To Go (2002. Universal Records. EP), es su cuarto EP, compuesto de siete pistas y que fue lanzado el 22 de febrero de 2002 sólo para el mercado japonés. El 3 de agosto de 2004, Jimmy Eat World lanzan de nuevo otro EP, Firestarter (2004. Better Looking Records. EP). El EP está compuesto de cinco pistas: “Firestarter” (canción que ya había sido lanzada en el EP Last Christmas en 2001 y que es una versión de la canción del mismo nombre de The Prodigy), “(Splash) Turn Twist”, “Hear You Me” y “My Sundown”.

 

Su quinto álbum de estudio Futures (2004. Interscope Records) fue lanzado por Interscope Records el 19 de octubre de 2004 después de absorber la antigua discográfica, DreamWorks. El álbum fue grabado en los Cello Studios de Los Ángeles (California) y en Harvey Moltz Studio de Tucsón (Arizona). Inicialmente el álbum lo iba a producir Trombino, incluso había empezado a producirlo, pero desacuerdos entre este y la banda, conducieron a la salida de Mark Trombino del proyecto, siendo Gil Norton quien se ocupó esta vez de esa tarea. Futures fue precedido por los exitosos sencillos “Pain”, “Work” y “Futures”. Futures finalizó el año en el sexto puesto del Billboard 200. Idéntica posición obtuvo en el Top Internet Albums y en séptima posición en el Top Canadian Albums. Los singles de este disco no arrasaron como todos los del Bleed American, a excepción de “Work” que finalizó en sexto puesto en el Modern Rock Tracks. El álbum vendió 620.000 copias en Estados Unidos, ganado un disco de oro.

 

 

 


 

 

 


El 4 de octubre de 2005, Jimmy Eat World lanzan de nuevo un EP llamado Stay on My Side Tonight (2005. Interscope Records. EP). Grabado en Ocean Studios de Burbank (California) y Unit 2 de Tempe (Arizona). Lanzado por Interscope Records y producido por Gil Norton, Arne VanPetegem y Jimmy Eat World. Se trata de cinco canciones en las que la banda trabajó durante la grabación de Futures, pero que finalmente declinaron introducirlas en el disco definitivo.

 

Chase This Light (2007. Interscope Records) es su sexto álbum. El disco fue puesto a la venta el 16 de octubre de 2007 mediante Interscope Records, segundo trabajo de la banda con la multinacional tras Futures. El álbum fue producido por el legendario Butch Vig, baterista de Garbage y productor de bandas como Nirvana, The Smashing Pumpkins, Sonic Youth o AFI. Todas las canciones están escritas y compuestas por Jimmy Eat World. Del álbum se extrajeron dos sencillos: “Big Casino”, título basado en Go Big Casino, proyecto paralelo de Jim Adkins, líder y guitarrista de Jimmy Eat World; y “Always Be”. Chase This Light debutó en el número cinco del Billboard 200 vendiendo 62.000 copias en la primera semana. En febrero de 2008, sacaron un directo Chase This Light Tour 2008 (2008. Interscope Records), en realidad, son una serie de tres álbumes en directo grabados durante la gira de Chase This Light en Reino Unido a principios de 2008: Brixton Academy (18 Febrero), Birmingham Academy (19 febrero)  y Manchester Apollo (20 febrero).


 

Jimmy Eat World

 


El 28 de septiembre de 2010, Jimmy Eat World lanzan su séptimo álbum de estudio y por el momento el último Invented (2010. Interscope Records). El álbum se grabó entre septiembre de 2009 y mayo de 2010 en el estudio de la banda. El primer sencillo del álbum fue “My Best Theory”, lanzado el 10 de agosto de 2010 mediante descarga digital. Invented fue producido por Mark Trombino, que volvía a trabajar con la banda. Jimmy Eat World anunció que comenzarían a trabajar en este álbum en junio de 2008, un año después del lanzamiento de su anterior álbum de 2007, Chase This Light. Invented debutó en el quinto puesto de la lista Billboard Rock Albums estadounidense y en el undécimo puesto del Billboard 200, obteniendo, en general, buenas críticas por parte de los medios especializados.

 

 

 

One, Two, Three, Four (1993. Wooden Blue Records. EP) Jimmy Eat World (1994. Wooden Blue Records) Static Prevails (1996. Capitol Records) Jimmy Eat World (1998. Fueled By Ramen. EP)

Clarity (1999. Capitol Records) Singles (2000. Big Wheel Recreation) Bleed American (2001. DreamWorks) Last Christmas (2001. Better Looking Records)

Good To Go (2002. Universal Records. EP) Firestarter (2004. Better Looking Records. EP) Futures (2004. Interscope Records) Stay on My Side Tonight (2005. Interscope Records. EP)

Chase This Light (2007. Interscope Records) Invented (2010. Interscope Records)

 


Discografía 

 

  • One, Two, Three, Four (1993. Wooden Blue Records. EP)
  • Jimmy Eat World (1994. Wooden Blue Records)
  • Static Prevails (1996. Capitol Records)
  • Jimmy Eat World (1998. Fueled By Ramen. EP)
  • Clarity (1999. Capitol Records)
  • Singles (2000. Big Wheel Recreation)
  • Bleed American (2001. DreamWorks Records)
  • Last Christmas (2001. Better Looking Records. EP)
  • Good To Go (2002. Universal Records. EP)
  • Firestarter (2004. Better Looking Records. EP)
  • Futures (2004. Interscope Records)
  • Stay on My Side Tonight (2005. Interscope Records. EP)
  • Chase This Light (2007. Interscope Records)
  • Invented (2010. Interscope Records)

 

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7 mayo 2011 6 07 /05 /mayo /2011 09:27

The Seeds  The Seeds (Los Ángeles. California. Estados Unidos 1965-69)

 

The Seeds fue una banda de energía abrasiva y letras repetitivas que dieron lugar al garage rock. Su repertorio iba del garage rock al acid rock, y están considerados como una de las bandas pioneras del punk rock. Formada en Los Ángeles (California) en 1965, la banda estaba compuesta por: Sky Saxon (voz y guitarra), Daryl Hooper (teclados), Jan Savage (guitarra) y Rick Andridge (batería).

 

Liderados por su cantante y principal compositor Sky Saxon (de nombre real Richard Marsh), este grupo de garaje americano logró alcanzar su momento de gloria con el clásico sencillo “Pushin Too Hard”, tema que contenía su conocido, simple y repetitivo sonido de básicos riffs guitarreros, una original mezcla de garaje rock, blues, punk (antes de que este término existiera en el mundillo musical), underground y psicodelia enfatizada por el estilo vocal de Saxon.


 

The Seeds

The Seeds. De izquierda a derecha: Sky Saxon (voz y guitarra), Jan Savage (guitarra), Rick Andridge (batería) y Daryl Hooper (teclados).

 


El vocalista, Sky Saxon, estaba enormemente influenciado por Mick Jagger, pero también había recibido comparaciones con vocalistas de rockabilly como Buddy Holly y Eddie Cochran. El teclista Daryl Hooper fue el que más aporte musical dio para el sonido de esta banda; The Seeds fue una de las primera bandas en usar un teclado por bajo (como Ray Manzarek, el teclista de The Doors). El vocalista Sky tocaba la guitarra pero haciendo los bajos.


El primer sencillo de The Seeds “Can't Seem to Make You Mine”, lanzado en junio de 1965, fue un éxito al sur de California. La banda en 1966 logró su único hit que estuvo entre los cuarenta principales de Estados Unidos, con el sencillo “Pushing Too Hard”, que había sido lanzado en noviembre de 1965. Los tres siguientes hits, que tuvieron un éxito más modesto, aunque eran muy populares en el sur de California, fueron los sencillos: “Mr. Farmer” (1966), por segunda vez pero en 1967 “Can't Seem to Make You Mine” y “A Thousand Shadows” (1968).

 

 

 


 

 

 


Su álbum debut llamado como la banda The Seeds (1966. GNP Crescendo Records) fue publicado en abril de 1966 por GNP Crescendo Records, sello discográfico estadounidense con sede en Hollywood (California) y estuvo producido por Marcus Tybalt y el propio Sky Saxon. El álbum se grabó en los Estudios Columbia de Hollywood (California). El álbum alcanzo el nº 132 en el Billboard Top de Lps de Estados Unidos. Su aceptación fue muy positiva, señalando los críticos la influencia de este álbum en el punk-rock una década más tarde.


Álbum debut con un hosco y sencillo sonido, tres acordes inalterables a lo largo del disco, fiera y trémula vocalidad, ritmo monocorde y latigazos sónicos de órgano. Junto a “Can't Seem To Make You Mine” y “Pushin' Too Hard”, sus grandes clásicos y dos de las mejores piezas del álbum, encontramos otras diez canciones cortadas casi todas por un mismo patrón. Resulta excitante cuando aciertan (que es casi siempre) en la fusión con ecos de los Stones de agresiva sonoridad con una lograda melodía o una hipnótica estructura, como así ocurre en sus mejores temas, todas ellos de temática amorosa y emocional, “No Escape”, “Girl, I Want You”, “Try To Understand”, “You Can't be trusted” o “Excuse, Excuse”, deliciosos vapuleos de bullicioso garage rock.

 

 

Sky Saxon

Sky Saxon lider y vocalista de The Seeds

 


En el Otoño de 1966, ejercen de teloneros de Jefferson Airplane en un concierto en la Universidad de Santa Barbara (California) y los triunfadores de esa noche son The Seeds.


Tras su debut homónimo con The Seeds en abril de 1966, uno de los álbumes clave del sonido garage-rock, la banda volvió de nuevo a la carga en octubre de ese mismo año con su segundo álbum de estudio A Web of Sound (1966. GNP Crescendo Records), lanzado de nuevo por GNP Crescendo Records y  producido por Marcus Tybalt, ayudado por Dave Hassinger y Rafael Valentin. El álbum tiene mayores variantes en las estructuras aunque siempre manteniendo sus constantes garajeras con textos sobre drogas y romances expuestos por la agria, sexual y neurótica vocalidad de Saxon.


El álbum ofrece insólitos y seductores sonidos ofrecidos principalmente por los teclados de Daryl Hooper y la guitarra de Jan Savage. Suena un somnífero órgano y una fuzz guitar en “Mr. Farmer”, el blues y el pop se fusionan en la imprescindible “Pictures And Designs”, una vertiginosa batería con rasgos surf y funk, un piano eléctrico y una lisérgica guitarra forman parte de la gran canción proto-punk “Tripmaker” (co-escrita entre Saxon y el productor Marcus Tybalt). “A Faded Picture” es un blues de gran calidad, la stoniana con base rithman & blues “Rollin' Machine” y la rítmica y bailable “Just let go”, con una línea de bajo excepcional del propio Saxon, dan paso al cierre del álbum, la extensísima “Up in her room”, una pieza de probable influencia en grupos como Stooges o Velvet Underground. Este álbum esta considerado un clasico por excelencia del genero garage.

 

 

 


 

 

 


En agosto de 1967, lanzan su tercer álbum Future (1967. GNP Crescendo Records), grabado en los Goldstar Studios y con la ayuda de Doc Siegel como ingeniero de sonido. Un interesante proyecto conceptual (con añadidura instrumental de flautas, tubas o cellos) urdido por influencia de su nuevo manager Tim Hudson que intentaba emular las aventuras psicodélicas de The Beatles y su “Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band” transformando así su estilo característico. El cambio no fue bien recibido por sus fans y The Seeds comenzaron a tambalearse como grupo. Es un álbum del que Sky Saxon no quedó muy contento ya que él lo veía como algo inacabado, incompleto... pero lo que venían eran unos días de locura histérica. El polémico Tim Hudson se convierte en  manager de The Seeds y pone en práctica todo tipo de trucos, frases, publicidad para el grupo. Por ejemplo: “La generación de las semillas vencerá a la era de las piedras en 6 meses”, junio de 1967. Se inventa biografías de cada uno de ellos y con todo tipo de extravagancias, como que Daryl Hooper tiene 200 años de edad y aprendió con Beethoven, o que Sky Saxon es el primero de los niños-semilla, que el pelo de Rick es no se qué y no sé cuanto y que Jan ha encontrado todas las respuestas en la semillas. En fin, Husdon fue el inventor del término “Flower Power” y The Seeds fueron la primera gran banda del movimiento con el álbum Future como ejemplo. Ya no hay rastros de garage y el motivo floral ha sido asimilado por la psicología de Saxon. Canciones como “Now a Man” o “Six Dreams” mantienen un nivel estupendo. Hay buenos viajes como “March of the Flower Children” o “Travel With Your Mind”, y malos viajes como “Falling”, de casi 8 minutos.


 

The Seeds and Psych-out Film

The Seeds en una escena de la película Psych-out! de Richard Rush de 1968

 


The Seeds hacen un cameo en la película de Richard Rush llamada Psych-out! de 1968, parte rodada en el Haight-Ashbury de San Francisco y protagonizada por Jack Nicholson, Susan Strasberg, Dean Stockwell y Bruce Dern. La cinta va sobre una chica sorda que llega a la ciudad en pleno Verano del Amor buscando a su hermano que le ha enviado una postal que decía: “Dios está vivo y bien y vive en un terrón de azúcar”. “Tomar ácido es como la biblia”, decía Sky Saxon. En ese momento ya se han convertido en un grupo de culto. Se saca un sencillo como promoción del Lp Future y de la película Psych-out!, y las canciones elegidas fueron “March of the Flower Children” y “A Thousand Shadows”. Sky Saxon sube a los escenarios con 2 pistolas cargadas que dispara en un momento dado y hay otras locuras como ésta. A mediados de 1967 sale otro sencillo con “Six Dreams” y la maravillosa “The Wind Blows Your Hair” en la cara B. Preciosa canción con el típico sonido de los Seeds que pasa desapercibida pero que es otra de sus obras maestras. En efecto, el LSD hace estragos en Saxon, que vive en su mundo y hace declaraciones como que Los Stones no quieren tocar con ellos por miedo al ridículo. En el mundo real, muchos de las bandas que empezaron con ellos triunfan en las listas: Love, The Doors, The Leaves, etc. The Seeds ya no entran en las listas pero sus conciertos siguen siendo una locura colectiva, tan salvajes como en Detroit (Michigan).

 

 

 


 

 

 


La preeminencia de Sky Saxon como líder de la banda se demostró con la nueva apelación de la banda: The Sky Saxon Blues Band. Bajo este nombre publicarían dos nuevos trabajos sin éxito, A Full Spoon of Seedy Blues  (1967) y Raw And Alive: Merlin's Music Box (1969). El álbum A Full Spoon of Seedy Blues (1967. GNP Crescendo Records) tuvo como ingeniero de sonido a Dave Hassinger e iba firmado por The Sky Saxon Blues Band, pero eran ellos mismos. Parece ser que la idea de Saxon era ofrecer a GNP Crescendo algo totalmente diferente a lo que habían hecho hasta ahora, así les echarían y les dejarían libres. Pero no fue así. Este es un disco de Blues bastante ácido en el sentido musical del término y con una versión de Muddy Waters llamada “Plain spoken”, otras de Robert Johnson como “Pretty girl” y “One more time blues”, aparte de canciones propias de Sky Saxon como “Moth and the flame”, “Buzzin around” o “Creepin about”. Lo que hizo GNP Crescendo fue publicar el álbum A Full Spoon of Seedy Blues pero se negó a promocionarlo y así, los seguidores de The Seeds ignoraron un álbum tan diferente al anterior, y eso que el sello discográfico se ocupó de poner las viejas portadas de los Lps anteriores en este experimento.


 

The Seeds (The Marina Palace, Seal Beach)

The Seeds en directo en The Marina Palace en Seal Beach (Los Alamitos. California) en 1967. Fotografía cortesía de Domenic Priore

 


Para que las ventas no bajaran, la discográfica GNP Crescendo Records editó un álbum titulado Raw And Alive: Merlin's Music Box (1969. GNP Crescendo Records), y que tenía dos temas inéditos: “Nightime Girl” y “Forest Outside You Door”. En 1969, The Seeds dejan de existir después de un concierto en el Santa Monica Civic Center donde tocan con Neil Young y hacen una versión brutalmente incendiaria del “Pushing Too Hard”.

 

 

 


 

 

 


Ante la falta de reconocimiento popular, The Seeds terminaron separándose ese mismo año, en 1969. Saxon seguiría actuando con intermitencia (con el nombre de Sky Sunlight y los Stars New Seeds) mientras que el guitarrista Jan Savage se haría miembro de la policía angelina alejándose de la música. Sky se unió a la secta religiosa Yahowa inspirada por un líder “divino” llamado “Padre Yod”, quién murió y la secta se separó parcialmente, en la cual Sky Saxon siguio colaborando hasta el momento de su muerte. Sky Saxon murió el 25 de Junio de 2009 en Austin (Texas), tras meses hospitalizado por una infección general, aunque la causa de la muerte no ha sido determinada. Si bien no se conoce su edad exacta, se estima que tenía 71 años en el momento de su muerte.

 

 

 

The Seeds (1966. GNP Crescendo) A Web of Sound (1966. GNP Crescendo Records) Future (1967. GNP Crescendo Records)

A Full Spoon of Seedy Blues (The Sky Saxon Blues Band) Raw And Alive. Merlin's Music Box (The Sky Saxon Blues

 


Discografía: 

 

  • The Seeds (1966. GNP Crescendo Records)
  • A Web of Sound (1966. GNP Crescendo Records)
  • Future (1967. GNP Crescendo Records)
  • A Full Spoon of Seedy Blues (The Sky Saxon Blues Band) (1967. GNP Crescendo Records)
  • Raw And Alive: Merlin's Music Box (The Sky Saxon Blues Band) (1969. GNP Crescendo Records)

 

 

 

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7 mayo 2011 6 07 /05 /mayo /2011 09:18

The Lucky Dados  The Lucky Dados (Madrid. España 1997)

 

The Lucky Dados es un trío madrileño de electrizante rock & roll que es adorado y respetado en el ambiente rockabilly más underground y purista, y que bebe de lo profundo del psychobilly, del punk, del rockabilly y del swing. La banda está formada por Pedro Herrero (guitarra y voz), Carlos López (contrabajo y coros) y Carlos Mirat (batería).


 

Lucky Dados

The Lucky Dados. De izquierda a derecha: Carlos López (contrabajo y coros), Carlos Mirat (batería) y Pedro Herrero (guitarra y voz)

 

 

Los “Dados” no son ni mucho menos una banda que nació ayer, se formaron en 1997. Desde el principio su objetivo es hacer una música que integre el rockabilly y punkrock con sonidos tan diferentes como el country y el mas puro swing de los años 40 y 50. Tras un periodo de conciertos donde primaban las versiones mas que los temas propios, estos últimos empiezan a ser mas numerosos y deciden que es el momento de pasar por el estudio.

 

 

 


 

 

 


Tras la grabación de una demo de 2 canciones y buscar por diferentes compañías sacan su álbum debut, Struck the Nerve (2004. Revel Yell Music), con la discográfica japonesa Revel Yell Music, que les dará a conocer a lo largo de Japón a través de radios y revistas. Este álbum es girado por diferentes lugares hasta que les sugieren sacar un Ep de 4 temas Missin´Revolution? (2005. Revel Yell Music), que será como un puente hacia su siguiente larga duración.

 

 

 


 

 

 


En Missin Revolution? se puede apreciar un acercamiento hacia los sonidos mas duros que será madurado hasta la llegada a principios del 2007 de su segundo álbum de estudio Crash´em down (2007. Revel Yell Music). Grabado con el productor Fernando Montesinos consiguen que el disco te recuerde viejas raíces así como te dispara una bala directa al cerebro cargada de energía y autentico rock & roll. Álbum donde la banda madrileña desarrolla una mezcla de sonidos y estilos que, aunque en sus anteriores trabajos ya estuviera presente, en este último, lo consolida dándole una forma final que se ha convertido en su sello de identidad: punk, rock, rockabilly, swing, todo ello mezclado y agitado para llegar más allá de lo que se esperaría de una banda de sus características.


 

Vinila von Bismark & The Lucky Dados

Vinila von Bismark & The Lucky Dados

 

 

Aunque aumenta la influencia del punkrock en detrimento del swing, The Lucky Dados siguen moviéndose con soltura en Crash´em down por los amplios territorios del rockabilly y el rock & roll; abundan temas contundentes como “Feelin´ Wilder”, “Together”, “Meet The Count”, “Ghost Car Racer”, “Gonna Get Back Home”; pero también podemos encontrarnos algo de swing en “The Calavera”, “Michael´s Solitude”, aires de Western en “The Railway” y una siempre agradecida versión de “Break Away”. En definitiva nos encontramos con una banda más madura y dura, incluso el cuidado diseño del álbum muestra una actitud más oscura y agresiva que la de su anterior trabajo.

 

 

 


 

 

 


En 2010 se unió a ellos, Vinila von Bismark, formando una nueva banda Vinila von Bismark & The Lucky Dados. Además de cantante, Vinila alter ego de Irene López Mañas, que nació en Peligros (Granada) en 1986, es Dj y artista de Burlesque. Fue portada en la revista Interviú, y tuvo un turbio pequeño papel en la serie de televisión “¿Hay alguien ahí?”. Sus primeros pasos en el mundo de la música los dio con el grupo Krakovia, que tuvo un gran éxito con su disco de debut Road Movie (Subterfuge 2007). A sus 25 años Vinila von Bismark es ya todo un personaje icónico, cargado de misterio y sensualidad, auténtica, fascinante, única.


 

Vinila von Bismark

Vinila von Bismark

 


Vinila von Bismark conoció a The Lucky Dados durante un concierto en el 2009 y fue amor a primera vista. El resultado fue The Secret Carnival (2010. Subterfuge Records), su primer y único álbum juntos, que se publicó el 20 de abril del 2010. El álbum se grabó en los Estudios Reno de Madrid bajo la producción de The Lucky Dados y Luca Petricca. El 14 de mayo de 2010 lo presentaron en la sala madrileña Joy Eslava. La nueva banda estuvo en Londres con Graeme Durham (productor y padre de Kitty, Daisy & Lewis) en los estudios Exchange dándole los últimos toques al álbum, un compendio maravilloso y excitante de puro rock&roll, swing y calypso tropical que incorpora sonidos del cabaret del periodo de entreguerras, del circo carnival de los 20 y los 30 pero llevado al 2010 con toda la potencia, la energía, actitud y personalidad de Vinila von Bismark & The Lucky Dados. Al trío rockabilly de contrabajo, guitarra y batería le añaden vientos y en un disco en el que Vinila y ha participado activamente en la composición de música y letra junto con sus compañeros de The Lucky Dados.

 

 

 


 

 

 


Vinila von Bismark & The Lucky Dados realizaron una gira de presentación de The Secret Carnival por toda España en 2010, empezando el 27 de marzo en Antequera, el 14 de mayo en Madrid, el 5 de junio en Jaén y el 24 de julio en Benidorm, etc ...

 

De la mano de Subterfuge Records, The Lucky Dados han reeditado en nuestro país sus anteriores trabajos para deleite de los fans del género.

 

 

Struck the Nerve (2004. Revel Yell Music) Missin´ Revolution (2005. Revel Yell Music. Ep)

Crash´em down (2007. Revel Yell Music) The Secret Carnival (Vinila von Bismark & The Lucky Da

 

 

Discografía:

 

  • Struck the Nerve (2004. Revel Yell Music)
  • Missin´ Revolution? (2005. Revel Yell Music. Ep)
  • Crash´em down (2007. Revel Yell Music)
  • The Secret Carnival (Vinila von Bismark & The Lucky Dados. 2010. Subterfuge Records)

 

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6 mayo 2011 5 06 /05 /mayo /2011 18:53

The Horrors  The Horrors (Southend. Inglaterra. Reino Unido 2005)

 

The Horrors es una banda de garage rock revival/post-punk britanica creada en Southend-on-Sea (Inglaterra), en el verano de 2005. La banda está formada por Faris Badwan (alias Faris Rotter. Voz), Joshua Hayward (alias Joshua Third o Joshua Von Grimm. Guitarra), Rhys Webb (alias Spider Webb. Bajo y órgano), Tom Cowan (alias Tomethy Furse. Bajo y teclados) y Joseph Spurgeon (alias Coffin Joe. Batería).


El origen de la banda se remonta a comienzos de la década de los 2000, cuando Rhys Webb conoce a Farias Rathbone y Tom Cowan (que habían ido juntos a la escuela pública Rugby School) en el circuito musical londinense y del área de Southend, gracias a un interés común en la música garajera y oscura de los 60. En el 2005 constituyen la banda, uniéndose a ellos Joshua von Grimm y Joseph Spurgeon. El grupo se forma en torno al club underground Junkclub, del que era copropietario Rhys Webb. The Horrors hicieron su primera actuación en directo en The Spread Eagle en Kingsland Road, Londres, en agosto de 2005, tocando junto con otra banda londinense de new wave/punk-pop, LR Rockets. Su primer concierto consistió en dos versiones: “The Witch” de The Sonics y “Jack the Ripper” de Screaming Lord Sutch; esta última aparece como primer tema en su álbum debut Strange House.

 

 

The Horrors

The Horrors. De izquierda a derecha: Tom Cowan (teclados), Faris Badwan (voz), Joseph Spurgeon (batería), Rhys Webb (bajo), Joshua Hayward (guitarra)

 

 

Con su primer single, “Sheena is a Parasite”, canción con ecos a The Ramones, The Horrors empezaron a ganar gran popularidad en Reino Unido. El video musical fue dirigido por Chris Cunningham y protagonizado por la actriz nominada a un óscar Samantha Morton. De menos de dos minutos de duración y realizado con un bajísimo presupuesto, recupera al Cunnigham más serie B y fue enseguida vetado por MTV Reino Unido, debido al excesivo uso de luces estroboscópicas y al contenido gore: la joven que lo protagoniza se revuelve ante el espectador mostrando y arrojando sus vísceras de parásito. En parte debido al éxito de “Sheena is a Parasite”, The Horrors participaron en el NME Awards Indie Rock Tour junto a The View, Mumm-Ra y The Automatic, lo cual les ayudó a dar a conocer su propuesta musical.

 

 

 


 

 

 


Fuertemente influenciados por el punk, la música gótica y el shoegazing de la década de los 90 (The Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentine, etc ...), The Horrors, comenzaron a componer canciones oscuras y enérgicas. La estética del grupo, todos de negro, su actitud punk y su sonido seco, sucio y violento, le convirtieron en una de las bandas favoritas de las pequeñas salas de conciertos del área de Londres en 2006. Ese mismo año, la banda lanzó un Ep homónimo The Horrors (2006. Stolen Transmission). También conocido como We Are the Horrors EP. Al principio fue lanzado únicamente en Estados Unidos, pero fue finalmente publicado el 24 de octubre de 2006 en Reino Unido. Una versión ligeramente diferente con cubierta blanca fue publicada en Japón y Australia.

 

 

The Horrors

 


Publicaron su álbum debut Strange House (2007. Loog Records) el 5 de marzo de 2007 llegando al número 37 en las listas británicas. Grabado en 2006 y editado por el sello Loog, fue bautizado con ese nombre como homenaje a The Attack, otra banda de los 60 que grabó una canción homónima. Definido por ellos mismos como “Sonidos psicóticos para freaks y raros,Strange House no es más que una colección de canciones que van desde el garage, al rock sucio y oscuro pasando por el punk y toda la imaginaría del terror y la serie B. Producido por Alan Moulder (My Bloody Valentine, U2), Ben Hillier (Depeche Mode, Blur) y Jim Sclavunos (batería de Grinderman o Bad Seeds), el disco contiene desde una potente versión del “Jack The Ripper” que en 1963 escribiera el pionero del llamado horror/rock británico, Screaming Lord Sutch, a las populares “Sheena Is A Parasite” o “Count In Fives”. Sin querer olvidarnos de los riffs contagiosos de “Gloves”, la base fifties de “Excellent Choice”, el poso Stranglers de la pegadiza “She is a New thing” o la fantasmal e instrumental “Gil Sleeping”. Strange House, es sólo el principio de la corriente agresiva y atrevida de The Horrors, porque traen una dosis de encanto oscuro a una escena alternativa británica cada vez más anodina entrampada en Oasis y The Libertines o el serio post-punk.

 

 

 

 


 

 

 


The Horrors se lanzan a la promoción de Strange House con una extensa gira mundial que se extiende a numerosos festivales de verano como Glastonbury, the Carling Weekend, el Summer Sonic Festival japonés, el Splendour in the Grass en Australia o el Festival Internacional de Benicàssim. Sus setlists en dichos festivales incluían un cover de "No Love Lost" de Joy Division. The Horrors también aparecieron en el excéntrico programa The mighty Boosh de la BBC 3 en diciembre, como la banda ficticia The Black Tubes, y fueron teloneros de Arctic Monkeys en su exitosa gira por Reino Unido, recibiendo variadas críticas. También actuaron en el show NME Awards de 2008 con Crystal Castles, Ulterior y These New Puritans, y fueron teloneros de The Sonics en Londres en marzo. En enero de 2008, Counting in fives, un documental del viaje de 2007 de la banda por Estados Unidos, fue proyectado en el Festival cinematográfico de Sundance.

 

 

 


 

 

 


A finales de 2007, The Horrors anunciaron la próxima grabación de un nuevo álbum. La banda firmó contrato con XL Recordings tras dejar Loog Records en 2007. La única publicación del grupo entre el single “She Is The New Thing” en junio de 2007 y su nuevo álbum, fue un cover de la canción de “Suicide”, Shadazz (2008. Blast First Petite. Ep), editado por Blast First Petite como parte de su tributo a Alan Vega en octubre de 2008.


Su segundo album Primary Colours (2009. XL Recordings Ltd.)   llegó al puesto 25 en las listas de discos más vendidos del Reino Unido. Grabado durante 2008, fue lanzado en Estados Unidos el 21 de abril de 2009 y en Reino Unido el 4 de mayo de 2009. Sus letras conjugan la estética con la ascética. De la mano de Geoff Barrow (productor de Portishead) y Craig Silver, y grabado en Bath durante el verano de 2008, y tras cancelar una actuación en el Festival Underage debido a conflicto de horarios con las sesiones de grabación, The Horrors opta por un sonido más propio de la década de los 70, siendo comparado con bandas como Bauhaus, Neu!, The Cure o Kraftwerk. La famosa revista NME describió su álbum Primary colours, como una “expresión de la experiencia del LSD”. “Sea Within a Sea”, es su primer single un magistral viaje por el panorama industrial de Joy Division, cuyo vídeo, dirigido por Douglas Hart (bajista de The Jesus & Mary Chain) fue emitido públicamente en su sitio web en marzo de 2009, y rápidamente comenzó a ganar popularidad en internet, siendo uno de los más vistos de la banda en YouTube. Este single fue también ubicado en el segundo puesto de Las mejores canciones de 2009 en la página de la revista NME, la cual también nombró a Primary colours como Disco del Año. Tras encabezar el Festival Offset en Londres y realizar una gira de promoción de Primary colours, The Horrors manifestaron su intención de construir su propio estudio para poder grabar en horario nocturno.

 

 

 

The Horrors. Live 2007

The Horrors en directo en Leeds en 2007

 

 

Su tercer álbum de estudio Skying (2011. XL Recordings Ltd.) fue lanzado el 11 de Julio de 2011 en Reino Unido y el 9 de Agosto de 2011 en Estados Unidos por XL recordings. En México fue editado por el sello discográfico Terrícolas Imbéciles. Es el primer álbum grabado y producido por la banda en su estudio de Londres. El primer sencillo fue “Still Life”, el segundo fue “I Can See Through You” y el tercer sencillo, “Changing the Rain”. Una canción del álbum, “Endless blue”, fue adelantada en el Latitude Festival en julio de 2010, y posteriormente reformada en el Off Festival de Polonia y el Lokerse Feesten de Bélgica en agosto del mismo año.

 

La banda encabezó los Festivales de Reading y Leeds (Reino Unido) en agosto de 2011, y durante su actuación, se unieron en el escenario con The Vaccines con motivo del encuentro de Tom Cowan con su hermano Freddie, guitarrista de The Vaccines. También actuaron en el Festival ATP I'll Be Your Mirror organizado por ATP & Portishead en septiembre de 2011 en Asbury Park de New Jersey (Estados Unidos).

 

 

 


 

 

 


Rhys Webb y Tom Cowan formaron un proyecto alternativo, Spider and The Flies, y han publicado un EP llamado Something Clockwork This Way Comes (2009). Faris Badwan se enroló en su proyecto Lumina, con el ex-miembro de Ipso Facto, Cherish Kaya, para grabar un cover de la canción de Black Lips, “I'll Be With You”. Esta grabación aparece como cara B del single “Drugs de Black Lips”. Más recientemente, Badwan creó Cat's Eyes con la multi-instrumentista, compositora y vocalista soprano Rachel Zeffira. A principios de 2011, Cat's Eyes publicaron el EP Broken glass, y el álbum Cat's Eyes. Miembros de The Horrors han colaborado con The Diddlers (banda de tributo a Bo Diddley), Cramped (banda de tributo a Cramps) y Happy Bunny. También han remezclado Bloody Mary para el álbum Born this way – The remix, de Lady GaGa.

 

 

 

The Horrors (2006. Stolen Transmission. Ep) Strange House (2007. Universal Music s.r.o.) Shadazz (2008. Blast First Petite. Ep)

Primary Colours (2009. XL Recordings Ltd.) Skying (2011. XL Recordings Ltd.)

 

 


Discografía:

 

  • The Horrors (2006. Stolen Transmission. Ep)
  • Strange House (2007. Loog Records)
  • Shadazz (2008. Blast First Petite. Ep)
  • Primary Colours (2009. XL Recordings Ltd.)      
  • Skying (2011. XL Recordings Ltd.)    

 

 

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6 mayo 2011 5 06 /05 /mayo /2011 18:37

Laser Beam Next Door (2001. Checkered Past Records)  The Silos (New York City. New York. Estados Unidos 1985)

 

The Silos es una banda de rock formada por Walter Salas-Humara (vocalista, guitarra y compositor) y Bob Rupe (guitarra, compositor y productor) en la ciudad de Nueva York en 1985. Abanderados de aquel extinto movimiento que se llamó Nuevo Rock Americano (que dejó entre otros a los populares R.E.M.) y herederos del clásico sonido country rock de guitarras añejas y estribillos melancólicos (cuyo principal genio fue el maldito Gram Parsons), The Silos son una banda que jamás ha renunciado a sus particulares postulados sonoros en su dilatada carrera.

 

The Silos giran en torno a la figura del compositor de origen hispano-cubano Walter Salas-Humara, quien, emigrado a Florida (Estados Unidos) durante su infancia y tras mudarse a Nueva York, se unió al también guitarrista / vocalista Bob rupe, con quien formó The Silos. Antes de emprender The Silos, Walter Salas-Humara había sido miembro de “The Vulgar Boatmen”, una banda de rock de Gainesville (Florida) y Bob Rupe estaba en una banda de rock llamada “The Bobs”, también de Florida.


 

The Silos

 

 

The Silos publicó su primer álbum de estudio de manera independiente llamado About Her Steps (1986. Record Collect), que recibió una buena crítica. Fue grabado en septiembre de 1985 en los estudios Studio Double You, L-7, Ardent y Bair Tracks. Fue producido por Walter Salas-Humara. Rupe compuso canciones para la banda, y contribuyó en los arreglos de las canciones de Salas-Humara, pero de acuerdo con los registros de los Lps y CDs, Rupe fue una figura clave en la producción y en la masterización entre 1985 y 1990.

 

En 1987, la banda publicó su segundo álbum, Cuba (1987. Record Collect), también de forma independiente, recibiendo aún más reconocimiento. El álbum fue publicado en julio de 1987 por Record Collect, reeditado en marzo de 1994 por Watermelon Records, en septiembre de 2002 por Dualtone Music Group y en abril de 2007 por Sonic Pyramid. Producido por Walter Salas-Humara y Bob Rupe. Mezclado por Don Sternecker, Bob Rupe y Walter Salas-Humara en Mix-O-Lydian. Grabado por Don Sternecker y Bob Rupe en los estudios Mix-O-Lydian y L-7, por Dave Pearlman en su casa, y por Mikhail Liberman en la Iglesia de St. Paul. Re-masterizado por Dave McNair. Cuba es uno de esos discos que, con los años transcurridos desde su lanzamiento, se ha convertido en una especie de talismán de los verdaderos fanáticos de la música. The Silos fueron nombrados como Mejor Grupo Nobel en la encuesta de los críticos de la revista de rock Rolling Stone. El álbum Cuba continuó siendo referencia entre los artistas del country alternativo.

 

 

 


 

 

 


Posteriormente, la banda firmó con RCA Records, y publicó su tercer álbum en marzo de 1990, llamado The Silos (1990. RCA Records), producido por Salas-Humara y Rupe junto con Peter Moore. Este álbum se conoce coloquialmente como “El Álbum del Pájaro”. El álbum fue grabado en un pequeño teatro de Gainesville (Florida). Producido por Peter Moore, Walter Salas-Humara y Bob Rupe. Mezclado por Peter Moore en Eastern Sound. Masterizado por Peter Moore en M.D.I.. Grabado en el Teatro Florida de Gainesville por Peter Moore y Peter Yanilos. El diseño de la portada es de Ria Lewerke. Gracias a este álbum, The Silos hicieron su debut en televisión en el programa Late Night de David Letterman.

 

Walter Salas-Humara dejó la banda tras la publicación del tercer álbum, y compró los derechos del nombre del grupo a Bob Rupe en 1991, tras disolverse este. Posteriormente Salas-Humara retomó de nuevo la banda, publicando su cuarto álbum de estudio, Hasta La Victoria! (1992. Normal Records). El álbum se publicó en marzo de 1992 por Normal Records en Alemania y en los Estados Unidos en marzo de 1994 por Watermelon Records y reeditado en abril de 2003 por Sonic Pyramid. Producido por Walter Salas-Humara. Mezclado por Barry Rudolph, Dave McNair, Huey Dee, Dave Bassett y Walter Salas-Humara. Grabado por Mike Fennel, Barry Rudolph, John Rosenberg, Jamie Prober, Huey Dee, Paul Mahern y Dave Bassett. Masterizado por Chris Bellman en Bernie Grundman Mastering. La foto de la portada es del mismo Walter Salas-Humara y su diseño de Olaf Meyer.

 

 

 


 

 

 


En marzo de 1994, lanzan su quinto álbum de estudio, Susan Across The Ocean (1994. Watermelon Records). Producido por Walter Salas-Humara. Mezclado por Dave McNair en Doug Messenger's y Chateau Relaxeau. El álbum fue grabado por Sally Browder en Doug Messenger's y Control Center y Dave Bassett en Chateau Relaxeau. Fue masterizado por Chris Bellman en Bernie Grundman Mastering. La foto de la portada es de John Eder y el diseño de Tanya Hotton. El álbum se reeditó en abril de 2003 por Sonic Pyramid.

 

En septiembre de 1998 publican su sexto álbum de estudio, Heater (1998. Checkered Past Records). Producido por Walter Salas-Humara. Mezclado por Dave McNair en Chateau Relaxeau. Masterizado por Dave McNair en Cedar Creek. El álbum se grabó en los estudios -Chateau Relaxeau y Studio Double You. El diseño de la portada es de Ignacio Salas-Humara y Terry Durbin. El álbum fue reeditado en septiembre de 2002 por Sonic Pyramid. Cooler (1998. Normal Records) fue un remix de Heather y varias pistas musicales de la pélicula de Jim Fealy, “I'm Not Jim”. Fue publicado en noviembre de 1998 por Normal Records en Alemania. Remezclado por The Elegant Too, Rick Butler y Ryan Hedgecock. La música de la película fue escrita por Walter Salas-Humara. El diseño de la portada es de Rick Butler y Olaf Meyer.

 

 

The Silos (The Swollen Circus. Nueva York)

The Silos en el Festival The Swollen Circus de Nueva York

 

 

Después del álbum Heater, entraron en la banda Drew Glackin (bajo) y Konrad Meissner (batería y coros). Tras dos años de una prolongada gira, The Silos publican en marzo de 2001 su séptimo álbum de estudio Laser Beam Next Door (2001. Checkered Past Records). El álbum fue producido por Walter Salas-Humara. Mezclado por Dave McNair en Cowboy Technical Services y Nebulous. Masterizado por Jim Wilson en Yes Mastering. Grabado en Dubway, Nebulous, Albert Hall, Hideaway y Big Sky. El diseño de la portada es de Ted Jenkins. Reeditado en abril de 2004 por Sonic Pyramid.

 

En septiembre de 2004, publican su octavo álbum en Dualtone Music Group, When the Telephone Rings (2004. Dualtone Records). El álbum estaba producido por Walter Salas-Humara. Mezclado por Dave McNair en Jarvis. Masterizado por Ray Kennedy en Zen Masters. Grabado en Studio Double You, Joe Blaney’s, Between The Trains, The Boyler Room, Jarvis, Steve McCormick’s y Dave Bassett’s. La foto de la portada es de Delissa Santos y su diseño de Tanya Hotton. En 2006, graban un directo This Highway Is A Circle (2006. Blue Rose Records), que fue lanzado en diciembre de ese año en Alemania por Blue Rose Records. Grabado en vivo en Red River Saloon de Heilbronn (Alemania) el 20 de abril de 2006.  Mezclado y masterizado por Andy Horn en The Red Room de Berolzheim (Alemania). El diseño de la portada es de Jurgen Peschel.

 

 

 


 

 

 


En 2007, la discográfica Bloodshot Records editó su noveno álbum de estudio, Come On Like The Fast Lane (2007. Bloodshot Records). El álbum fue publicado por primera vez en abril de 2006 por Blue Rose Records en Alemania y en febrero de 2007 por Bloodshot Records en los Estados Unidos. Producido por The Silos. Grabado por Mario J McNulty junto con Rob Demar en Looking Glass. Mezclado por Dave McNair en Walnut Crescent. Los tracks adicionales fueron grabados por Don Piper en Between The Trains y mezclados por Rod Hohl en Harmony. Masterizados por Andy Horn en The Red Room y Dave McNair en Unity Mastering NYC. El diseño de la portada es de Chris Kelly y Sheila Sachs. Come On Like The Fast Lane tiene reminiscencias de bandas del proto-punk del Lower East Side de Nueva York como The Velvet Underground o Television, mezcladas con melodías pop que resucita un sonido que nunca ha pasado de moda. En 2008, Drew Glackin murió. Walter Salas-Humara y Konrad Meissner siguieron con la banda con ayuda de varios músicos en varias etapas: Graham Maby (bajo), J. D. Foster (guitarra), Kenny Margolis (teclado), Brian Doherty (bajo), Rod Hohl (bajo).


El 20 de marzo de 2011, presentaron Florizona (2011. Sonic Pyramid), que supone el álbum número diez en su larga carrera (sin contar directos y remix). Producido por Rod Hohl y The Silos. Grabado por Don Piper, The Silos y The Silos Family. Mezclado por Mario McNulty. Masterizado por Dave McNair. El diseño de la portada es de Sheila Sachs. En este nuevo trabajo mantienen fresco su sonido, las reminiscencias de The Byrds y Neil Young y, sobre todo, buenas composiciones (el single “White vinyl”, pero también las impecables “Coming from the grave” o “Getting trashed”), que seguramente seguirán sin sacarles de su relativo anonimato, pero mantendrán esa pequeña legión de fieles en las primeras filas de sus conciertos. A destacar la formidable portada de John Eder, así como el resto de fotografías ambientadas en la Florida de los años setenta que acompañan también el vídeo de “White vinyl”.

 

 

 


 

 

 


Salas-Humara ha lanzado varios álbunes en solitario, Lagartija (1988), junto con Bob Rupe, y Radar (1995). Junto con Alejandro Escovedo formó una banda paralela Setters. El novelista y aficionado a la música Jonathan Lethem llama a Salas-Humara “un genio melódico, uno de nuestros grandes compositores”. La revista Rolling Stone dijo de Salas-Humara “toque hábil en la composición, creación concisa, canciones elegantes y reducidas al mínimo”. Bob Rupe estuvo en bandas como House of Freaks (country-blues), Gutterball (indie) y Sparklehorse (indie). También fue miembro de Cracker (rock alternativo) entre 1994 y 2000, y ha sido artista invitado como muchas otras bandas.

 

 

 

About Her Steps (1986. Record Collect) Cuba (1987. Record Collect) The Silos (1990. RCA Records) Hasta La Victoria! (1992. Normal Records)

Susan Across The Ocean (1994. Watermelon Records) Heater (1998. Checkered Past Records) Cooler (1998. Normal Records. Remix de Heather) Laser Beam Next Door (2001. Checkered Past Records)

When the Telephone Rings (2004. Dualtone Records) This Highway Is A Circle -Live- (2006. Blue Rose Records) Come On Like The Fast Lane (2007. Bloodshot Records) Florizona (2011. Sonic Pyramid)

 

 


Discografía:

 

  • About Her Steps (1986. Record Collect)
  • Cuba (1987. Record Collect)
  • The Silos (1990. RCA Records)
  • Hasta La Victoria! (1992. Normal Records)
  • Susan Across The Ocean (1994. Watermelon Records)
  • Heater (1998. Checkered Past Records)
  • Cooler (1998. Normal Records. Remix de Heather)
  • Laser Beam Next Door (2001. Checkered Past Records)
  • When the Telephone Rings (2004. Dualtone Records)
  • This Highway Is A Circle –Live- (2006. Blue Rose Records)
  • Come On Like The Fast Lane (2007. Bloodshot Records)
  • Florizona (2011. Sonic Pyramid)

 

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